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diariolibre.com Esto es lo que pasa cuando los niños se topan con el arte

Fuente:diariolibre.com | 8/7/19 4:45:38 p. m.

¿Qué pasa cuando los niños se exponen al arte? Pasa lo que ven en la galería de fotos que acompaña esta nota. La exposición de los finalistas y ganadores de la cuarta edición del Premio de Diario Libre Arte Contemporáneo recibió la visita de un grupo muy entendido. Los pequeños

participantes en este campamento de verano organizado por TrazosLab, un laboratorio de expresión y movimiento y El Cubo Amarillo, creado también para desarrollar la faceta más abierta a la imaginación y la expresión de los pequeños.

Las imágenes hablan solas. Sin necesidad de mucha teoría, los más jóvenes encuentran por sí mismos la manera de comunicarse espontáneamente con el color, las formas y la fuerza de un arte contemporáneo joven. Una pequeña explicación si surgen preguntas (siempre las hay cuando el público está interesado) y un espacio para recrear desde su perspectiva alguna obra.

La exposición de los finalistas de la cuarta edición del premio DLAC está abierta hasta septiembre en la galería Arte Berri y se organizan visitas guiadas a petición de grupos y coleccionistas.

Los premios y menciones de esta Cuarta Edición fueron para Anabelle Lucas por su obra “La madre, la hija, la amiga de alguien...“ Yocelin Ramírez, por su “Espacio Paleolítico“ y Yamilé Suero por su obra Sin Título.


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eldia.com.do Galería de arte La Colección reinaugura sus espacios

Fuente:eldia.com.do | 10/7/19 12:01:39 a. m.

La galería de arte La Colección  reabrió sus instalaciones  en el sector Los Prados luego de 25 años  de fundada, para mostrar las mejores creaciones de los artistas plásticos  dominicanos. Su  propietario José Luis Cartagena expresó que  la idea es tener  un espacio con arte en sus paredes y que las personas puedan disfrutarla  a la hora de un almuerzo o

una exquisita cena.

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Fuente:diariolibre.com | 8/7/19 4:45:38 p. m.

¿Qué pasa cuando los niños se exponen al arte? Pasa lo que ven en la galería de fotos que acompaña esta nota. La exposición de los finalistas y ganadores de la cuarta edición del Premio de Diario Libre Arte Contemporáneo recibió la visita de un grupo muy entendido. Los pequeños

participantes en este campamento de verano organizado por TrazosLab, un laboratorio de expresión y movimiento y El Cubo Amarillo, creado también para desarrollar la faceta más abierta a la imaginación y la expresión de los pequeños.

Las imágenes hablan solas. Sin necesidad de mucha teoría, los más jóvenes encuentran por sí mismos la manera de comunicarse espontáneamente con el color, las formas y la fuerza de un arte contemporáneo joven. Una pequeña explicación si surgen preguntas (siempre las hay cuando el público está interesado) y un espacio para recrear desde su perspectiva alguna obra.

La exposición de los finalistas de la cuarta edición del premio DLAC está abierta hasta septiembre en la galería Arte Berri y se organizan visitas guiadas a petición de grupos y coleccionistas.

Los premios y menciones de esta Cuarta Edición fueron para Anabelle Lucas por su obra “La madre, la hija, la amiga de alguien...“ Yocelin Ramírez, por su “Espacio Paleolítico“ y Yamilé Suero por su obra Sin Título.


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¿Qué pasa cuando los niños se exponen al arte? Pasa lo que ven en la galería de fotos que acompaña esta nota. La exposición de los finalistas y ganadores de la cuarta edición del Premio de Diario Libre Arte Contemporáneo recibió la visita de un grupo muy entendido. Los pequeños

participantes en este campamento de verano organizado por TrazosLab, un laboratorio de expresión y movimiento y El Cubo Amarillo, creado también para desarrollar la faceta más abierta a la imaginación y la expresión de los pequeños.

Las imágenes hablan solas. Sin necesidad de mucha teoría, los más jóvenes encuentran por sí mismos la manera de comunicarse espontáneamente con el color, las formas y la fuerza de un arte contemporáneo joven. Una pequeña explicación si surgen preguntas (siempre las hay cuando el público está interesado) y un espacio para recrear desde su perspectiva alguna obra.

La exposición de los finalistas de la cuarta edición del premio DLAC está abierta hasta septiembre en la galería Arte Berri y se organizan visitas guiadas a petición de grupos y coleccionistas.

Los premios y menciones de esta Cuarta Edición fueron para Anabelle Lucas por su obra “La madre, la hija, la amiga de alguien...“ Yocelin Ramírez, por su “Espacio Paleolítico“ y Yamilé Suero por su obra Sin Título.


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elcaribe.com.do República Dominicana hace gala de su arte en el extranjero

Fuente:elcaribe.com.do | 28/6/19 7:55:03 p. m.

El talento dominicano se ha hecho sentir en estos últimos meses en diferentes partes del mundo, a través de ferias, exposiciones y festivales de cine República Dominicana es una tierra fértil: ha parido con orgullo talentosos artistas, que ponen en alto la cultura criolla en todos los escenarios. Desde hace algún tiempo, el arte dominicano […]

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noticiassin.com Un repaso a cien años del arte fotográfico de la moda en el Museo de Houston

Fuente:noticiassin.com | 23/6/19 12:28:56 p. m.
La exposición, que abrió este domingo sus puertas al público y se mantendrá hasta el 22 de septiembre, supone un repaso minucioso de la obra de grandes figuras de la moda a través del lente de unos profesionales que supieron realzar la estética de sus creaciones.

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noticiassin.com Gael García Bernal afirma que el arte debe abordar la inseguridad en México

Fuente:noticiassin.com | 22/6/19 2:35:17 p. m.
"Son temas que nos conciernen, que de alguna manera, como una situación de emergencia, tenemos que tratar", señaló García Bernal durante el estreno de "Chicuarotes", su segunda película como director, en la ciudad mexicana de Guadalajara, oeste del país.

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elcaribe.com.do “Juventud y Arte de Silvano Lora” y “Kolinó” en el Centro Cultural de España

Fuente:elcaribe.com.do | 21/6/19 7:53:24 p. m.

El Centro Cultural de España dejó inaugurada dos exposiciones. Por un lado, y junto a la Fundación Taller Público Silvano Lora, bajo la curaduría e investigación del doctor en artes Diego Renart González, la exhibición “Juventud y Arte de Silvano Lora”. Asimismo, presentarán una muestra videográfica sobre la vida del artista plástico Silvano Lora que […]

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eldia.com.do Premios Estrellas reconocen el arte dominicano en una gala

Fuente:eldia.com.do | 21/6/19 12:03:36 a. m.

SANTO DOMINGO.-  La celebración de la 26 entrega de los Premios Estrellas se realizó con una gama de talentos de diferentes géneros y decenas de galardonados de la música, el periodismo, así como empresarios que han hecho aportes al país. Allí fueron reconocidos Pedro Musa, Carmen Luz Beato, Violeta Ramírez, Pedro Araújo, Diomelo Martínez, Samir Saba Pochy

Familia, Fausto Polanco, El Sultán de la Bachata, Félix Manuel y Marcel, entre otros. La premiación la preside […]

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diariolibre.com Museo Pushkin de Moscú presenta tesoros de arte moderno

Fuente:diariolibre.com | 20/6/19 3:06:40 p. m.

Emblemáticas obras de arte de Claude Monet, Paul Cézanne, Paul Gaugin, Henri Matisse y Pablo Picasso se exhiben desde el miércoles en el Museo Pushkin de Moscú.

Los tesoros provienen de la colección de principios del siglo XX del empresario ruso Sergei Shchukin, que había sido confiscada y luego dividida por el estado soviético.

La

muestra reúne obras del Pushkin, el Hermitage y otros museos en lo que quizás sea la versión más completa de la colección, dándole a los visitantes la oportunidad de verla como el mismo Shchukin la concibió.

La exposición, titulada “Shchukin. Biografía de una colección”, presenta obras reunidas por el magnate textil ruso y sus hermanos en numerosos viajes a París antes de la Revolución Bolchevique de 1917.

Shchukin mostraba la colección en su propia casa en Moscú, exponiendo obras que eran radicalmente nuevas en aquel entonces. No le importaba la opinión pública y adquirió piezas que incluso a veces le parecían difíciles de apreciar, pero que consideró cautivadoras e importantes.

“Shchukin estaba dispuesto a aceptar la falta de comprensión de la sociedad — esto era total — no sólo de su propio ambiente laboral sino de la comunidad artística, de críticos y excelentes artistas rusos, que no aceptaban a Matisse o al cubista Picasso”, dijo la directora del Pushkin, Marina Loshak, a The Associated Press. “Hizo todo esto a sabiendas, esperaba esa reacción y estaba encantado con ella”.

Loshak ve a Shchukin como un precursor que tuvo influencia sobre el curso de la historia del arte del siglo XX.

Compró cuadros de Gauguin, Matisse, el impresionismo francés, y Picasso cuando estos artistas aún no estaban de moda en Europa. Pero la variedad de obras maestras invaluables que ahora cuelgan de las paredes del Pushkin, incluida la famosa pintura “La danza” de Matisse, es testimonio de su gusto singular y su convicción personal.

Shchukin “quería ser primero, descubrir cosas y mostrarlas al mundo y crear una nueva historia”, dijo Loshak.

Describió a Shchukin como uno de los más grandes coleccionistas de arte, en una tradición rusa que incluye al banquero Pavel Tretiakov (cuya colección de arte ruso llena la Galería Estatal Tretiakov en Moscú).

“Es difícil encontrar a alguien que coleccione arte contemporáneo de este modo, con tanta pasión y haciendo de esto su objetivo de vida”, dijo Loshak. “Este tipo de personas son pocas, pero existieron en Rusia”.__


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diariolibre.com Museo Pushkin de Moscú presenta tesoros de arte moderno

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Emblemáticas obras de arte de Claude Monet, Paul Cézanne, Paul Gaugin, Henri Matisse y Pablo Picasso se exhiben desde el miércoles en el Museo Pushkin de Moscú.

Los tesoros provienen de la colección de principios del siglo XX del empresario ruso Sergei Shchukin, que había sido confiscada y luego dividida por el estado soviético.

La

muestra reúne obras del Pushkin, el Hermitage y otros museos en lo que quizás sea la versión más completa de la colección, dándole a los visitantes la oportunidad de verla como el mismo Shchukin la concibió.

La exposición, titulada “Shchukin. Biografía de una colección”, presenta obras reunidas por el magnate textil ruso y sus hermanos en numerosos viajes a París antes de la Revolución Bolchevique de 1917.

Shchukin mostraba la colección en su propia casa en Moscú, exponiendo obras que eran radicalmente nuevas en aquel entonces. No le importaba la opinión pública y adquirió piezas que incluso a veces le parecían difíciles de apreciar, pero que consideró cautivadoras e importantes.

“Shchukin estaba dispuesto a aceptar la falta de comprensión de la sociedad — esto era total — no sólo de su propio ambiente laboral sino de la comunidad artística, de críticos y excelentes artistas rusos, que no aceptaban a Matisse o al cubista Picasso”, dijo la directora del Pushkin, Marina Loshak, a The Associated Press. “Hizo todo esto a sabiendas, esperaba esa reacción y estaba encantado con ella”.

Loshak ve a Shchukin como un precursor que tuvo influencia sobre el curso de la historia del arte del siglo XX.

Compró cuadros de Gauguin, Matisse, el impresionismo francés, y Picasso cuando estos artistas aún no estaban de moda en Europa. Pero la variedad de obras maestras invaluables que ahora cuelgan de las paredes del Pushkin, incluida la famosa pintura “La danza” de Matisse, es testimonio de su gusto singular y su convicción personal.

Shchukin “quería ser primero, descubrir cosas y mostrarlas al mundo y crear una nueva historia”, dijo Loshak.

Describió a Shchukin como uno de los más grandes coleccionistas de arte, en una tradición rusa que incluye al banquero Pavel Tretiakov (cuya colección de arte ruso llena la Galería Estatal Tretiakov en Moscú).

“Es difícil encontrar a alguien que coleccione arte contemporáneo de este modo, con tanta pasión y haciendo de esto su objetivo de vida”, dijo Loshak. “Este tipo de personas son pocas, pero existieron en Rusia”.__


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diariolibre.com García Arévalo: ha surgido un arte neotaíno de corte vanguardista en la plástica

Fuente:diariolibre.com | 18/6/19 8:50:18 a. m.

El historiador Manuel García Arévalo expresó que muchos de los más connotados artistas plásticos contemporáneos dominicanos han vuelto su mirada a la estética primitiva, apoyándose en esa inagotable fuente de atracción que constituye del acervo arqueológico aborigen.

Al pronunciar la conferencia “El arte taíno de la República Dominicana”, en la Feria

del Libro de Madrid 2019, dijo, en el mismo, orden que ha surgido un movimiento tainista o neotaíno de corte vanguardista, que incorpora soluciones técnicas y formales extraordinariamente innovadoras en su quehacer artístico a partir de una visión retrospectiva que capta y revalora en su proceso creativo lo esencialmente mágico y totémico del arte aborigen.

“De tal manera, a pesar del tiempo transcurrido desde la desintegración de la sociedad taína tras el impacto de la conquista, su presencia, tanto somática como espiritual, aún está latente entre nosotros, mediante el enriquecedor proceso de mestizaje que caracteriza el perfil étnico y cultural de los dominicanos, constituyendo un significativo referente que permea la identidad nacional”, indicó el investigador.

Dijo que los taínos mostraron una gran especialización tanto en la obtención de alimentos, como en la capacidad de seleccionar materias primas y en la confección de artesanías.

“En cuanto a los objetos de culto y las piezas componentes del menaje de los caciques fueron obras de artesanos experimentados, especialmente de los chamanes, conocidos en lengua taína como behiques o buhitios personajes de marcada importancia para las tribus por tener también a su cargo la curación de los enfermos mediante prácticas mágico-medicinales”, argumentó.

Agregó que las demás muestras artesanales taínas eran fabricadas por los mismos indios agricultores, que en tales menesteres empleaban sus ratos de ocio, obteniendo así utensilios de trabajo y del ajuar casero y personal.

En cuanto al arte, dijo que fue un elemento de relevante significación para la sociedad taína y obedeció a los imperativos de sus creencias mágico-religiosas, con cuyas ideas animistas se hallaba indisolublemente relacionado.

“Sus realizaciones plásticas poseen una sorprendente fuerza expresiva y demuestran un gran dominio del simbolismo, la simetría y la abstracción figurativa, sintetizando así, la concepción de su mundo espiritual y mítico”, añadió.

Afirmó que entre las elaboraciones más destacadas del arte taíno se encuentran los objetos destinados al culto de sus dioses o cemíes, y mencionó el caso de los esculturales ídolos de la cohoba, tallados en madera o piedra, junto a otros artefactos empleados en este ritual mágico-religioso.

“Los cemíes de la cohoba, generalmente tienen una postura acuclillada lo que parece ser una posición ceremonial. En sus rasgos faciales fijaban aplicaciones de oro o de concha para acentuar la expresión de la figura. Las orejas presentan las perforaciones típicas en el lóbulo inferior, para aplicar los pasadores ornamentales, simulando a los que usaban los indios para realzar su apariencia personal...”, expuso García Arévalo.

Explicó que los íconos de madera era tallados de árboles seleccionados siguiendo prescripciones mitológicas, para dar cumplimiento a los requisitos demandados por fuerzas espirituales, lo cual implicaba una estrecha compenetración o identidad mística entre la deidad y el material en que la misma se plasmaba.

Indicó que dentro del mobiliario taíno resaltan los duhos o banquillos ceremoniales confeccionados en madera dura, tales como el guayacán y la caoba, y agregó que junto a los imponentes cemíes de la cohoba, los duhos están considerados como creaciones verdaderamente excepcionales del arte primitivo universal.

“El taíno alcanzó su mejor modo de manifestación artística en el trabajo de la madera, en cuya conformación conceptual consiguió variedad y riqueza. La terminación de las piezas elaboradas en este material, tanto las rituales como las domésticas, poseen, una notable perfección y suavidad. A cuya calidad se refiere con admiración el cronista Pedro Mártir de Anglería, que exaltó la destreza de los taínos en la talla de la madera cuando en su Carta dirigida al Cardenal Luis de Aragón”, argumentó.

Asimismo, dijo que los cemíes tricúspides o trigonolitos constituyen excelentes realizaciones de este legado artístico aborigen.

“Estos son objetos de culto emblemáticos de la cultura taína, vinculándoseles con los rituales propiciatorios de la fertilidad agrícola y la procreación del género humano”, añadió.

También se refirió a los impresionantes ídolos o cemíes antropomorfos tejidos de algodón, que servían de receptáculo para reverenciar la carabela de sus ancestros.

“Dada su evocativa apariencia espectral, los cemíes tejidos en algodón se relacionan con el culto a los desaparecidos, teniendo la intención deliberada de infundir respeto o temor al espectador, como acontece con las caracterizaciones espantosas y sobrecogedoras de los seres que habitaban el inframundo”, añadió.

Dijo que afortunadamente, se ha preservado un ejemplar de estos extraordinarios íconos taínos, el cual se conserva en un adecuado estado en la colección del Museo de Antropología y Etnografía de la Universidad de Turín, Italia, donde fue localizado por el licenciado Bernardo Vega, quien tras una larga pesquisa logró dar con su paradero para beneplácito de los estudiosos de la prehistoria antillana.


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diariolibre.com García Arévalo: ha surgido un arte neotaíno de corte vanguardista en la plástica

Fuente:diariolibre.com | 18/6/19 8:50:18 a. m.

El historiador Manuel García Arévalo expresó que muchos de los más connotados artistas plásticos contemporáneos dominicanos han vuelto su mirada a la estética primitiva, apoyándose en esa inagotable fuente de atracción que constituye del acervo arqueológico aborigen.

Al pronunciar la conferencia “El arte taíno de la República Dominicana”, en la Feria

del Libro de Madrid 2019, dijo, en el mismo, orden que ha surgido un movimiento tainista o neotaíno de corte vanguardista, que incorpora soluciones técnicas y formales extraordinariamente innovadoras en su quehacer artístico a partir de una visión retrospectiva que capta y revalora en su proceso creativo lo esencialmente mágico y totémico del arte aborigen.

“De tal manera, a pesar del tiempo transcurrido desde la desintegración de la sociedad taína tras el impacto de la conquista, su presencia, tanto somática como espiritual, aún está latente entre nosotros, mediante el enriquecedor proceso de mestizaje que caracteriza el perfil étnico y cultural de los dominicanos, constituyendo un significativo referente que permea la identidad nacional”, indicó el investigador.

Dijo que los taínos mostraron una gran especialización tanto en la obtención de alimentos, como en la capacidad de seleccionar materias primas y en la confección de artesanías.

“En cuanto a los objetos de culto y las piezas componentes del menaje de los caciques fueron obras de artesanos experimentados, especialmente de los chamanes, conocidos en lengua taína como behiques o buhitios personajes de marcada importancia para las tribus por tener también a su cargo la curación de los enfermos mediante prácticas mágico-medicinales”, argumentó.

Agregó que las demás muestras artesanales taínas eran fabricadas por los mismos indios agricultores, que en tales menesteres empleaban sus ratos de ocio, obteniendo así utensilios de trabajo y del ajuar casero y personal.

En cuanto al arte, dijo que fue un elemento de relevante significación para la sociedad taína y obedeció a los imperativos de sus creencias mágico-religiosas, con cuyas ideas animistas se hallaba indisolublemente relacionado.

“Sus realizaciones plásticas poseen una sorprendente fuerza expresiva y demuestran un gran dominio del simbolismo, la simetría y la abstracción figurativa, sintetizando así, la concepción de su mundo espiritual y mítico”, añadió.

Afirmó que entre las elaboraciones más destacadas del arte taíno se encuentran los objetos destinados al culto de sus dioses o cemíes, y mencionó el caso de los esculturales ídolos de la cohoba, tallados en madera o piedra, junto a otros artefactos empleados en este ritual mágico-religioso.

“Los cemíes de la cohoba, generalmente tienen una postura acuclillada lo que parece ser una posición ceremonial. En sus rasgos faciales fijaban aplicaciones de oro o de concha para acentuar la expresión de la figura. Las orejas presentan las perforaciones típicas en el lóbulo inferior, para aplicar los pasadores ornamentales, simulando a los que usaban los indios para realzar su apariencia personal...”, expuso García Arévalo.

Explicó que los íconos de madera era tallados de árboles seleccionados siguiendo prescripciones mitológicas, para dar cumplimiento a los requisitos demandados por fuerzas espirituales, lo cual implicaba una estrecha compenetración o identidad mística entre la deidad y el material en que la misma se plasmaba.

Indicó que dentro del mobiliario taíno resaltan los duhos o banquillos ceremoniales confeccionados en madera dura, tales como el guayacán y la caoba, y agregó que junto a los imponentes cemíes de la cohoba, los duhos están considerados como creaciones verdaderamente excepcionales del arte primitivo universal.

“El taíno alcanzó su mejor modo de manifestación artística en el trabajo de la madera, en cuya conformación conceptual consiguió variedad y riqueza. La terminación de las piezas elaboradas en este material, tanto las rituales como las domésticas, poseen, una notable perfección y suavidad. A cuya calidad se refiere con admiración el cronista Pedro Mártir de Anglería, que exaltó la destreza de los taínos en la talla de la madera cuando en su Carta dirigida al Cardenal Luis de Aragón”, argumentó.

Asimismo, dijo que los cemíes tricúspides o trigonolitos constituyen excelentes realizaciones de este legado artístico aborigen.

“Estos son objetos de culto emblemáticos de la cultura taína, vinculándoseles con los rituales propiciatorios de la fertilidad agrícola y la procreación del género humano”, añadió.

También se refirió a los impresionantes ídolos o cemíes antropomorfos tejidos de algodón, que servían de receptáculo para reverenciar la carabela de sus ancestros.

“Dada su evocativa apariencia espectral, los cemíes tejidos en algodón se relacionan con el culto a los desaparecidos, teniendo la intención deliberada de infundir respeto o temor al espectador, como acontece con las caracterizaciones espantosas y sobrecogedoras de los seres que habitaban el inframundo”, añadió.

Dijo que afortunadamente, se ha preservado un ejemplar de estos extraordinarios íconos taínos, el cual se conserva en un adecuado estado en la colección del Museo de Antropología y Etnografía de la Universidad de Turín, Italia, donde fue localizado por el licenciado Bernardo Vega, quien tras una larga pesquisa logró dar con su paradero para beneplácito de los estudiosos de la prehistoria antillana.


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El historiador Manuel García Arévalo expresó que muchos de los más connotados artistas plásticos contemporáneos dominicanos han vuelto su mirada a la estética primitiva, apoyándose en esa inagotable fuente de atracción que constituye del acervo arqueológico aborigen.

Al pronunciar la conferencia “El arte taíno de la República Dominicana”, en la Feria

del Libro de Madrid 2019, dijo, en el mismo, orden que ha surgido un movimiento tainista o neotaíno de corte vanguardista, que incorpora soluciones técnicas y formales extraordinariamente innovadoras en su quehacer artístico a partir de una visión retrospectiva que capta y revalora en su proceso creativo lo esencialmente mágico y totémico del arte aborigen.

“De tal manera, a pesar del tiempo transcurrido desde la desintegración de la sociedad taína tras el impacto de la conquista, su presencia, tanto somática como espiritual, aún está latente entre nosotros, mediante el enriquecedor proceso de mestizaje que caracteriza el perfil étnico y cultural de los dominicanos, constituyendo un significativo referente que permea la identidad nacional”, indicó el investigador.

Dijo que los taínos mostraron una gran especialización tanto en la obtención de alimentos, como en la capacidad de seleccionar materias primas y en la confección de artesanías.

“En cuanto a los objetos de culto y las piezas componentes del menaje de los caciques fueron obras de artesanos experimentados, especialmente de los chamanes, conocidos en lengua taína como behiques o buhitios personajes de marcada importancia para las tribus por tener también a su cargo la curación de los enfermos mediante prácticas mágico-medicinales”, argumentó.

Agregó que las demás muestras artesanales taínas eran fabricadas por los mismos indios agricultores, que en tales menesteres empleaban sus ratos de ocio, obteniendo así utensilios de trabajo y del ajuar casero y personal.

En cuanto al arte, dijo que fue un elemento de relevante significación para la sociedad taína y obedeció a los imperativos de sus creencias mágico-religiosas, con cuyas ideas animistas se hallaba indisolublemente relacionado.

“Sus realizaciones plásticas poseen una sorprendente fuerza expresiva y demuestran un gran dominio del simbolismo, la simetría y la abstracción figurativa, sintetizando así, la concepción de su mundo espiritual y mítico”, añadió.

Afirmó que entre las elaboraciones más destacadas del arte taíno se encuentran los objetos destinados al culto de sus dioses o cemíes, y mencionó el caso de los esculturales ídolos de la cohoba, tallados en madera o piedra, junto a otros artefactos empleados en este ritual mágico-religioso.

“Los cemíes de la cohoba, generalmente tienen una postura acuclillada lo que parece ser una posición ceremonial. En sus rasgos faciales fijaban aplicaciones de oro o de concha para acentuar la expresión de la figura. Las orejas presentan las perforaciones típicas en el lóbulo inferior, para aplicar los pasadores ornamentales, simulando a los que usaban los indios para realzar su apariencia personal...”, expuso García Arévalo.

Explicó que los íconos de madera era tallados de árboles seleccionados siguiendo prescripciones mitológicas, para dar cumplimiento a los requisitos demandados por fuerzas espirituales, lo cual implicaba una estrecha compenetración o identidad mística entre la deidad y el material en que la misma se plasmaba.

Indicó que dentro del mobiliario taíno resaltan los duhos o banquillos ceremoniales confeccionados en madera dura, tales como el guayacán y la caoba, y agregó que junto a los imponentes cemíes de la cohoba, los duhos están considerados como creaciones verdaderamente excepcionales del arte primitivo universal.

“El taíno alcanzó su mejor modo de manifestación artística en el trabajo de la madera, en cuya conformación conceptual consiguió variedad y riqueza. La terminación de las piezas elaboradas en este material, tanto las rituales como las domésticas, poseen, una notable perfección y suavidad. A cuya calidad se refiere con admiración el cronista Pedro Mártir de Anglería, que exaltó la destreza de los taínos en la talla de la madera cuando en su Carta dirigida al Cardenal Luis de Aragón”, argumentó.

Asimismo, dijo que los cemíes tricúspides o trigonolitos constituyen excelentes realizaciones de este legado artístico aborigen.

“Estos son objetos de culto emblemáticos de la cultura taína, vinculándoseles con los rituales propiciatorios de la fertilidad agrícola y la procreación del género humano”, añadió.

También se refirió a los impresionantes ídolos o cemíes antropomorfos tejidos de algodón, que servían de receptáculo para reverenciar la carabela de sus ancestros.

“Dada su evocativa apariencia espectral, los cemíes tejidos en algodón se relacionan con el culto a los desaparecidos, teniendo la intención deliberada de infundir respeto o temor al espectador, como acontece con las caracterizaciones espantosas y sobrecogedoras de los seres que habitaban el inframundo”, añadió.

Dijo que afortunadamente, se ha preservado un ejemplar de estos extraordinarios íconos taínos, el cual se conserva en un adecuado estado en la colección del Museo de Antropología y Etnografía de la Universidad de Turín, Italia, donde fue localizado por el licenciado Bernardo Vega, quien tras una larga pesquisa logró dar con su paradero para beneplácito de los estudiosos de la prehistoria antillana.


Fuente:diariolibre.com | 18/6/19 8:50:18 a. m.
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diariolibre.com Bonsái, el arte de cultivar la inmortalidad en una vasija

Fuente:diariolibre.com | 10/6/19 12:17:00 a. m.

Para muchos el primer contacto con un elegante árbol bonsái pudo haber ocurrido gracias a que lo vio en una escena de una película, o en una imagen en una revista, o hasta como parte de la decoración de un hogar, pero no se trata de un simple adorno o un hobby, el acto de cultivar estas plantas en miniatura para reproducir artísticamente una escena de la

naturaleza en un espacio reducido y así crear una réplica que puede ser más encantadora que la versión original es un arte con un rica historia milenaria.

“El bonsái es especial porque es una combinación de lo que es la horticultura con arte plástica” explica Robert Sandro Rivera, presidente del Club Bonsái Nativo. “Te ayuda como arte a cada día enfrentar mejor la vida y crea mayor sensibilidad en el ser humano. Además de esto, realmente es el único arte vivo que existe”.

Aunque en la mente de muchos este arte milenario está completamente ligado a la cultura japonesa, se originó hace más de dos mil años en China, donde era conocido como “Penjing”, lo cual significa “la naturaleza dentro de una vasija” y era practicado por monjes taoístas porque para ellos estas plantas eran objetos de culto pues el árbol representaba un puente entre lo divino y lo humano. Estos monjes cultivaron plantas en envases y mediantes distintas técnicas de cultivo lograron reducirlas de tamaño pero sin que dejaran de ser similares a plantas adultas, En el siglo XII esta técnica de cultivo llegó a Japón donde se le dio el nombre de Bonsái (bon = bandeja + sai = cultivar) y donde se empezó a reconocer y a difundir como un arte, pero no fue hasta la década de los 60 cuando, gracias a la migración japonesa, el arte del bonsái llegó a República Dominicana, principalmente en la zona de Puerto Plata, pero es en la década de los 90 cuando realmente se comenzó a trabajar con más criterio gracias a los cursos impartidos por Pedro Morales, reconocido internacionalmente como un maestro del bonsái.

La popularidad de los árboles Bonsáis ha llegado hasta el punto de que cada cuatro años se celebra una convención mundial en la que miles de aficionados se reúnen para compartir, ver y disfrutar de las exhibiciones de estas elegantes plantas que incluyen ejemplares que pueden llegar a tener hasta 600 años. En la Convención Mundial de Bonsáis que se celebró en Japón en el 2017 un ejemplar de 600 años fue vendido a un precio de 900 mil dólares.

El Bonsái no cuenta con un árbol que es pequeño por naturaleza sino que se mantiene así dándole forma, se le poda el tronco, las hojas y las raíces cada cierto tiempo además de otras técnicas de cultivo como la poda de raíces, el alambrado y el transplante, pero estas pueden variar según la especie de la planta. Asimismo, practicar técnicas del bonsái en el Caribe tiene sus ventajas debido a que, por lo general, en otra zonas el proceso para tener este tipo de árbol dura hasta 12 años, mientras que en el Caribe se puede lograr entre 3 a 4 años porque la trayectoria del sol es mucho mejor para esta clase de cultivo.

Los bonsáis pueden ser clasificados por su tamaño (Shito, Mame, Shohin, Komono, etc.) y la forma y posición del tronco (Chokkan, Moyogi, Shakan, Kengai, etc.) y también se toma en cuenta las especies que se utilizan para este tipo de cultivo como la Acer, Pinus, Rhododendron, Juniperus, Ficus y otros.

En realidad, cualquier especie arbórea o arbustiva puede ser cultivada como bonsái, aunque los aficionados prefieren aquellas con hojas pequeñas y que son resistentes al cultivo en maceta. De todas formas, si la planta se cuida como tiene que hacerse, puede existir al mismo tiempo que un árbol normal de su misma especie.


Fuente:diariolibre.com | 10/6/19 12:17:00 a. m.
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diariolibre.com Bonsái, el arte de cultivar la inmortalidad en una vasija

Fuente:diariolibre.com | 10/6/19 12:17:00 a. m.

Para muchos el primer contacto con un elegante árbol bonsái pudo haber ocurrido gracias a que lo vio en una escena de una película, o en una imagen en una revista, o hasta como parte de la decoración de un hogar, pero no se trata de un simple adorno o un hobby, el acto de cultivar estas plantas en miniatura para reproducir artísticamente una escena de la

naturaleza en un espacio reducido y así crear una réplica que puede ser más encantadora que la versión original es un arte con un rica historia milenaria.

“El bonsái es especial porque es una combinación de lo que es la horticultura con arte plástica” explica Robert Sandro Rivera, presidente del Club Bonsái Nativo. “Te ayuda como arte a cada día enfrentar mejor la vida y crea mayor sensibilidad en el ser humano. Además de esto, realmente es el único arte vivo que existe”.

Aunque en la mente de muchos este arte milenario está completamente ligado a la cultura japonesa, se originó hace más de dos mil años en China, donde era conocido como “Penjing”, lo cual significa “la naturaleza dentro de una vasija” y era practicado por monjes taoístas porque para ellos estas plantas eran objetos de culto pues el árbol representaba un puente entre lo divino y lo humano. Estos monjes cultivaron plantas en envases y mediantes distintas técnicas de cultivo lograron reducirlas de tamaño pero sin que dejaran de ser similares a plantas adultas, En el siglo XII esta técnica de cultivo llegó a Japón donde se le dio el nombre de Bonsái (bon = bandeja + sai = cultivar) y donde se empezó a reconocer y a difundir como un arte, pero no fue hasta la década de los 60 cuando, gracias a la migración japonesa, el arte del bonsái llegó a República Dominicana, principalmente en la zona de Puerto Plata, pero es en la década de los 90 cuando realmente se comenzó a trabajar con más criterio gracias a los cursos impartidos por Pedro Morales, reconocido internacionalmente como un maestro del bonsái.

La popularidad de los árboles Bonsáis ha llegado hasta el punto de que cada cuatro años se celebra una convención mundial en la que miles de aficionados se reúnen para compartir, ver y disfrutar de las exhibiciones de estas elegantes plantas que incluyen ejemplares que pueden llegar a tener hasta 600 años. En la Convención Mundial de Bonsáis que se celebró en Japón en el 2017 un ejemplar de 600 años fue vendido a un precio de 900 mil dólares.

El Bonsái no cuenta con un árbol que es pequeño por naturaleza sino que se mantiene así dándole forma, se le poda el tronco, las hojas y las raíces cada cierto tiempo además de otras técnicas de cultivo como la poda de raíces, el alambrado y el transplante, pero estas pueden variar según la especie de la planta. Asimismo, practicar técnicas del bonsái en el Caribe tiene sus ventajas debido a que, por lo general, en otra zonas el proceso para tener este tipo de árbol dura hasta 12 años, mientras que en el Caribe se puede lograr entre 3 a 4 años porque la trayectoria del sol es mucho mejor para esta clase de cultivo.

Los bonsáis pueden ser clasificados por su tamaño (Shito, Mame, Shohin, Komono, etc.) y la forma y posición del tronco (Chokkan, Moyogi, Shakan, Kengai, etc.) y también se toma en cuenta las especies que se utilizan para este tipo de cultivo como la Acer, Pinus, Rhododendron, Juniperus, Ficus y otros.

En realidad, cualquier especie arbórea o arbustiva puede ser cultivada como bonsái, aunque los aficionados prefieren aquellas con hojas pequeñas y que son resistentes al cultivo en maceta. De todas formas, si la planta se cuida como tiene que hacerse, puede existir al mismo tiempo que un árbol normal de su misma especie.


Fuente:diariolibre.com | 10/6/19 12:17:00 a. m.
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